ຮູບພາບ: ມາລະຍາດພິພິທະພັນ Naturhistorisches

ຮູບປັ້ນຂອງປະຫວັດສາດສິລະປະ, ຮູບປັ້ນນ້ອຍໆນີ້ມີຄວາມສູງພຽງແຕ່ສີ່ນິ້ວໄດ້ຖືກຄົ້ນພົບໃນອອສເຕີຍໃນປີ 1908. ບໍ່ມີໃຜຮູ້ວ່າມັນເຮັດຫນ້າທີ່ຫຍັງ, ແຕ່ການຄາດເດົາໄດ້ຕັ້ງແຕ່ເທບທິດາການຈະເລີນພັນຈົນເຖິງການຊ່ວຍເຫຼືອການເປັນ masturbation. ນັກວິຊາການບາງຄົນແນະນໍາວ່າມັນອາດຈະເປັນຮູບຕົນເອງທີ່ເຮັດໂດຍແມ່ຍິງ. ມັນ​ເປັນ​ສິ່ງ​ທີ່​ມີ​ຊື່​ສຽງ​ທີ່​ສຸດ​ຂອງ​ວັດ​ຖຸ​ດັ່ງ​ກ່າວ​ຈໍາ​ນວນ​ຫຼາຍ​ທີ່​ມີ​ມາ​ຈາກ​ຍຸກ​ຫີນ​ເກົ່າ​.

ຮູບພາບ: ມາລະຍາດ CC/Wiki Media/Philip Pikart

ຮູບຄົນນີ້ເປັນສັນຍາລັກຂອງຄວາມງາມຂອງແມ່ຍິງນັບຕັ້ງແຕ່ມັນຖືກຄົ້ນພົບຄັ້ງທໍາອິດໃນປີ 1912 ພາຍໃນຊາກຫັກພັງຂອງ Amarna, ນະຄອນຫຼວງທີ່ສ້າງຂຶ້ນໂດຍ Pharaoh ທີ່ມີການຂັດແຍ້ງທີ່ສຸດຂອງປະຫວັດສາດອີຢິບບູຮານ: Akhenaten. ຊີວິດຂອງລາຊິນີຂອງລາວ, Nefertiti, ເປັນສິ່ງທີ່ລຶກລັບ: ມັນຄິດວ່ານາງໄດ້ປົກຄອງເປັນ Pharaoh ເປັນເວລາຫນຶ່ງຫຼັງຈາກການເສຍຊີວິດຂອງ Akhenaten - ຫຼືຫຼາຍກວ່ານັ້ນ, ເປັນຜູ້ປົກຄອງຮ່ວມຂອງ Boy King Tutankhamun. ນັກ Egyptologist ບາງຄົນເຊື່ອວ່າຕົວຈິງແລ້ວນາງແມ່ນແມ່ຂອງ Tut. ຮອຍແຕກຂອງຫີນປູນທີ່ເຄືອບດ້ວຍ stucco ນີ້ຄິດວ່າເປັນຝີມືຂອງ Thutmose, ຊ່າງແກະສະຫຼັກຂອງສານ Akhenaten.

ຮູບພາບ: ມາລະຍາດ CC/Wikimedia Commons/Maros M raz

ຄົ້ນພົບໃນປີ 1974, ກອງທັບ Terracotta ເປັນບ່ອນເກັບມ້ຽນຮູບປັ້ນດິນເຜົາຂະໜາດໃຫຍ່ທີ່ຝັງຢູ່ໃນຂຸມຂະໜາດໃຫຍ່ 3 ຂຸມ ໃກ້ໆກັບສຸສານເຈົ້າຊີວິດ Shi Huang, ຈັກກະພັດອົງທຳອິດຂອງຈີນ, ທີ່ເສຍຊີວິດໃນປີ 210 ກ່ອນ ຄ.ສ. ​ເພື່ອ​ປົກ​ປ້ອງ​ລາວ​ໃນ​ຄວາມ​ຕາຍ​ໃນ​ຊີວິດ​ຫຼັງ, ກອງທັບ​ເຊື່ອ​ກັນ​ວ່າ​ມີ​ຈຳນວນ​ທະຫານ​ຫຼາຍ​ກວ່າ 8,000 ຄົນ​ພ້ອມ​ດ້ວຍ​ມ້າ 670 ​ໂຕ ​ແລະ​ລົດ​ຮົບ 130 ຄັນ. ແຕ່ລະແມ່ນຂະຫນາດຊີວິດ, ເຖິງແມ່ນວ່າຄວາມສູງຕົວຈິງແຕກຕ່າງກັນໄປຕາມລໍາດັບທະຫານ.

ຮູບພາບ: ມາລະຍາດ CC/Wiki Media/LivioAndronico

ບາງທີຮູບປັ້ນທີ່ມີຊື່ສຽງທີ່ສຸດຂອງໂບຮານ Roman,Laocoon ແລະລູກຊາຍຂອງລາວໃນເບື້ອງຕົ້ນໄດ້ຖືກຄົ້ນພົບໃນ Rome ໃນ 1506 ແລະຍ້າຍໄປ Vatican, ບ່ອນທີ່ມັນອາໄສຢູ່ຈົນເຖິງທຸກມື້ນີ້. ມັນແມ່ນອີງໃສ່ myth ຂອງປະໂລຫິດ Trojan ທີ່ຖືກຂ້າຕາຍພ້ອມກັບລູກຊາຍຂອງລາວໂດຍງູທະເລທີ່ຖືກສົ່ງໂດຍພະເຈົ້າທະເລ Poseidon ເປັນການແກ້ແຄ້ນສໍາລັບຄວາມພະຍາຍາມຂອງ Laocoön ທີ່ຈະເປີດເຜີຍ ruce ຂອງ Trojan Horse. ໃນເບື້ອງຕົ້ນໄດ້ຖືກຕິດຕັ້ງຢູ່ໃນພະລາຊະວັງຂອງ Emperor Titus, ການຈັດກຸ່ມຕົວເລກທີ່ມີຊີວິດຊີວານີ້, ຖືວ່າເປັນນັກແກະສະຫຼັກຊາວກີກສາມຄົນຈາກເກາະ Rhodes, ແມ່ນບໍ່ມີຈຸດເດັ່ນໃນການສຶກສາຄວາມທຸກທໍລະມານຂອງມະນຸດ.

ຮູບພາບ: ມາລະຍາດ CC/Wikimedia/Livioandronico2013

ຫນຶ່ງໃນວຽກງານທີ່ເປັນສັນຍາລັກທີ່ສຸດໃນປະຫວັດສາດສິລະປະທັງຫມົດ, David ຂອງ Michelangelo ມີຕົ້ນກໍາເນີດມາໃນໂຄງການຂະຫນາດໃຫຍ່ເພື່ອຕົບແຕ່ງ buttresses ຂອງມະຫາວິຫານ Florence, Duomo, ກັບກຸ່ມຂອງຕົວເລກທີ່ເອົາມາຈາກພຣະຄໍາພີເດີມ. ໄດ້ດາວິດແມ່ນຫນຶ່ງໃນ, ແລະຕົວຈິງແລ້ວໄດ້ເລີ່ມຕົ້ນໃນ 1464 ໂດຍ Agostino di Duccio. ໃນໄລຍະສອງປີຕໍ່ມາ, Agostino ສາມາດເອົາຊິ້ນສ່ວນຂອງຫີນອ່ອນກ້ອນໃຫຍ່ທີ່ຫລໍ່ຈາກຫີນຫີນທີ່ມີຊື່ສຽງໃນ Carrara ກ່ອນທີ່ຈະຢຸດເຊົາໃນປີ 1466. (ບໍ່ມີໃຜຮູ້ວ່າເປັນຫຍັງ.) ນັກສິລະປິນອີກຄົນຫນຶ່ງໄດ້ເອົາ slack, ແຕ່ລາວ, ເທົ່ານັ້ນ. ໄດ້ເຮັດວຽກກ່ຽວກັບມັນໄລຍະສັ້ນໆ. ຫີນອ່ອນຍັງຄົງບໍ່ຖືກແຕະຕ້ອງເປັນເວລາ 25 ປີຕໍ່ໄປ, ຈົນກ່ວາ Michelangelo ສືບຕໍ່ແກະສະຫຼັກມັນໃນປີ 1501. ລາວມີອາຍຸ 26 ປີໃນເວລານັ້ນ. ເມື່ອ​ສຳ​ເລັດ​ແລ້ວ, ດາວິດ​ມີ​ນ້ຳ​ໜັກ​ຫົກ​ໂຕນ, ຊຶ່ງ​ໝາຍ​ຄວາມ​ວ່າ​ມັນ​ບໍ່​ສາ​ມາດ​ຍົກ​ຂຶ້ນ​ເທິງ​ຫລັງ​ຄາ​ຂອງ​ມະ​ຫາ​ວິ​ຫານ. ແທນທີ່ຈະ, ມັນໄດ້ຖືກຈັດໃສ່ໃນການສະແດງຢູ່ນອກທາງເຂົ້າ Palazzo Vecchio, ຫ້ອງວ່າການເມືອງຂອງ Florence. ຕົວເລກດັ່ງກ່າວ, ຫນຶ່ງໃນການຕົ້ມກັ່ນທີ່ບໍລິສຸດທີ່ສຸດຂອງແບບ Renaissance ສູງ, ໄດ້ຖືກຍອມຮັບໃນທັນທີໂດຍສາທາລະນະ Florentine ເປັນສັນຍາລັກຂອງການຕໍ່ຕ້ານຂອງນະຄອນ - ລັດຂອງຕົນເອງຕໍ່ກັບອໍານາດທີ່ກໍາລັງຕໍ່ຕ້ານມັນ. ໃນປີ 1873, ໄດ້ດາວິດໄດ້ຖືກຍ້າຍໄປ Accademia Gallery, ແລະເຄື່ອງຈໍາລອງໄດ້ຖືກຕິດຕັ້ງຢູ່ໃນສະຖານທີ່ຕົ້ນສະບັບຂອງມັນ.

ຮູບພາບ: ມາລະຍາດ CC/Wiki Media/Alvesgaspar

ໂດຍໄດ້ຮັບການຍອມຮັບວ່າເປັນຜູ້ລິເລີ່ມຂອງຮູບແບບ Baroque Roman ສູງ, Gian Lorenzo Bernini ໄດ້ສ້າງສິ່ງປະດິດນີ້ສໍາລັບໂບດໃນໂບດ Santa Maria della Vittoria. Baroque ໄດ້ຖືກເຊື່ອມຕໍ່ inextricably ກັບ Counter-Reformation ໂດຍຜ່ານທີ່ສາດສະຫນາຈັກກາໂຕລິກພະຍາຍາມສະກັດກັ້ນກະແສຂອງ Protestant ເພີ່ມຂຶ້ນໃນທົ່ວເອີຣົບໃນສະຕະວັດທີ 17th. ວຽກງານສິລະປະເຊັ່ນ Bernini's ແມ່ນສ່ວນຫນຶ່ງຂອງໂຄງການເພື່ອຢືນຢັນໃຫມ່ຂອງ Papal dogma, ໄດ້ຮັບການບໍລິການທີ່ດີຢູ່ທີ່ນີ້ໂດຍຄວາມອັດສະລິຍະຂອງ Bernini ສໍາລັບການສ້າງ scenes ທາງສາສະຫນາດ້ວຍການເທື່ອເນື່ອງຈາກລະຄອນ.ຄວາມຕື່ນເຕັ້ນເປັນກໍລະນີ: ຫົວຂໍ້ຂອງມັນ—Saint Teresa of Ávila, ເປັນແມ່ຊີ Carmelite ແອສປາໂຍນ ແລະນັກລຶກລັບທີ່ຂຽນເຖິງການພົບກັບນາງຟ້າ—ຖືກພັນລະນາຄືກັບທີ່ທູດສະຫວັນກໍາລັງຈະຍິງລູກສອນເຂົ້າໄປໃນຫົວໃຈຂອງນາງ.ຄວາມຕື່ນເຕັ້ນovertones erotic ຂອງແມ່ນ unmistakable, ແນ່ນອນທີ່ສຸດຢູ່ໃນການສະແດງອອກຂອງ nun ຂອງ orgasm ແລະ fabric writhing ຫໍ່ທັງສອງຕົວເລກ. ສະຖາປະນິກທີ່ເປັນນັກສິລະປິນ, Bernini ຍັງໄດ້ອອກແບບສະຖານທີ່ຂອງໂບດດ້ວຍຫີນອ່ອນ, stucco ແລະສີ.

ຮູບພາບ: ມາລະຍາດພິພິທະພັນສິລະປະ Metropolitan / Fletcher Fund

ນັກສິລະປິນອີຕາລີ Antonio Canova (1757-1822) ຖືກພິຈາລະນາວ່າເປັນຊ່າງແກະສະຫຼັກທີ່ຍິ່ງໃຫຍ່ທີ່ສຸດໃນສະຕະວັດທີ 18. ວຽກງານຂອງລາວໄດ້ສະແດງຮູບແບບ Neo-Classical, ດັ່ງທີ່ເຈົ້າສາມາດເຫັນໄດ້ໃນການສະແດງຂອງລາວໃນ marble ຂອງ hero mythical Greek Perseus. ຕົວຈິງແລ້ວ Canova ໄດ້ເຮັດສອງສະບັບຂອງສິ້ນ: ສະບັບຫນຶ່ງອາໄສຢູ່ໃນ Vatican ໃນ Rome, ໃນຂະນະທີ່ອີກປະການຫນຶ່ງຢືນຢູ່ໃນ Metropolitan Museum of Art's European Sculpture Court.

ຮູບພາບ: ຫໍພິພິທະພັນສິລະປະ Metropolitan

ໃນຂະນະທີ່ແມ່ບົດ Impressionist Edgar Degas ເປັນທີ່ຮູ້ຈັກດີທີ່ສຸດໃນນາມນັກແຕ້ມຮູບ, ລາວຍັງໄດ້ເຮັດວຽກໃນຮູບປັ້ນ, ຜະລິດສິ່ງທີ່ເປັນຄວາມພະຍາຍາມທີ່ເຂັ້ມແຂງທີ່ສຸດຂອງ oeuvre ຂອງລາວ. Degas ຄົນອັບເດດ:ນັກເຕັ້ນລໍານ້ອຍອາຍຸສິບສີ່ປີອອກຈາກຂີ້ເຜີ້ງ (ຈາກທີ່ສໍາເນົາທອງເຫລືອງຕໍ່ມາໄດ້ຖືກໂຍນລົງຫຼັງຈາກການເສຍຊີວິດຂອງລາວໃນປີ 1917), ແຕ່ຄວາມຈິງທີ່ວ່າ Degas ນຸ່ງຫົວຂໍ້ຂອງລາວໃນຊຸດ ballet ຕົວຈິງ (ສົມບູນດ້ວຍ bodice, tutu ແລະເກີບແຕະ) ແລະ wig ຂອງຜົມທີ່ແທ້ຈິງເຮັດໃຫ້ເກີດຄວາມຮູ້ສຶກໃນເວລາທີ່.ນັກເຕັ້ນລໍາເປີດຕົວໃນງານວາງສະແດງ Impressionist ຄັ້ງທີ VI ຂອງປີ 1881 ໃນປາຣີ. Degas ໄດ້ຖືກເລືອກໃຫ້ກວມເອົາເຄື່ອງແຕ່ງກາຍສ່ວນໃຫຍ່ຂອງລາວໃນຂີ້ເຜີ້ງເພື່ອໃຫ້ກົງກັບລັກສະນະຂອງເດັກຍິງ, ແຕ່ລາວໄດ້ຮັກສາ tutu, ເຊັ່ນດຽວກັນກັບໂບທີ່ຜູກມັດຜົມຂອງນາງ, ດັ່ງທີ່ພວກມັນເປັນ, ເຮັດໃຫ້ຕົວເລກດັ່ງກ່າວເປັນຫນຶ່ງໃນຕົວຢ່າງທໍາອິດຂອງການຄົ້ນພົບ. ສິນລະປະ.ນັກເຕັ້ນລໍາເປັນຮູບປັ້ນດຽວທີ່ Degas ວາງສະແດງໃນຊີວິດຂອງລາວ; ຫຼັງ​ຈາກ​ການ​ເສຍ​ຊີ​ວິດ​ຂອງ​ພຣະ​ອົງ​, ບາງ 156 ຕົວ​ຢ່າງ​ເພີ່ມ​ເຕີມ​ໄດ້​ຖືກ​ພົບ​ເຫັນ​ວ່າ languishing ໃນ​ສະ​ຕູ​ດິ​ໂອ​ຂອງ​ພຣະ​ອົງ​.

ຮູບພາບ: ມາລະຍາດພິພິທະພັນສິລະປະ Philadelphia

ໃນ​ຂະ​ນະ​ທີ່​ປະ​ຊາ​ຊົນ​ສ່ວນ​ໃຫຍ່​ກ່ຽວ​ຂ້ອງ​ກັບ sculptor ຝຣັ່ງ​ທີ່​ຍິ່ງ​ໃຫຍ່ Auguste Rodin ກັບນັກຄິດ, ກອງ​ປະ​ຊຸມ​ນີ້​ລະ​ນຶກ​ເຖິງ​ເຫດ​ການ​ໃນ​ໄລ​ຍະ​ສົງ​ຄາມ​ຮ້ອຍ​ປີ (1337–1453​) ລະ​ຫວ່າງ​ອັງ​ກິດ​ແລະ​ຝຣັ່ງ​ແມ່ນ​ມີ​ຄວາມ​ສໍາ​ຄັນ​ຕໍ່​ປະ​ຫວັດ​ສາດ​ຂອງ​ຮູບ​ປັ້ນ​. ໄດ້ມອບໝາຍໃຫ້ສວນສາທາລະນະໃນເມືອງ Calais (ບ່ອນທີ່ມີການປິດລ້ອມຂອງຊາວອັງກິດໃນປີ 1346 ເມື່ອປີ 1346 ເມື່ອຜູ້ເຖົ້າຜູ້ແກ່ 6 ຄົນໄດ້ສະເໜີໃຫ້ປະຫານຊີວິດເພື່ອແລກປ່ຽນກັບການປະຫານຊີວິດຂອງປະຊາຊົນ),ເບີເກີRodin ໄດ້ຫັນປ່ຽນຮູບແບບຕາມປົກກະຕິຂອງອານຸສາວະລີໃນເວລານັ້ນ: ແທນທີ່ຈະເປັນຕົວເລກທີ່ໂດດດ່ຽວ ຫຼືຖືກຈັດໃສ່ເປັນ pyramid ຢູ່ເທິງແທ່ນທີ່ສູງ, Rodin ໄດ້ປະກອບວິຊາຂະໜາດຂອງຊີວິດຂອງລາວໂດຍກົງໃສ່ພື້ນດິນ, ໃຫ້ລະດັບກັບຜູ້ຊົມ. ການເຄື່ອນໄຫວອັນໃຫຍ່ຫຼວງນີ້ໄປສູ່ຄວາມເປັນຈິງໄດ້ແຕກແຍກກັບການປິ່ນປົວແບບວິລະຊົນຕາມປົກກະຕິໂດຍການເຮັດວຽກກາງແຈ້ງດັ່ງກ່າວ. ກັບເບີເກີ, Rodin ໄດ້ເອົາຫນຶ່ງໃນຂັ້ນຕອນທໍາອິດໄປສູ່ການປະຕິມາກໍາທີ່ທັນສະໄຫມ.

ຮູບພາບ: ມາລະຍາດ CC/Flickr/Wally Gobetz

ໃນ​ປີ 1912, Picasso ໄດ້​ສ້າງ​ແຜ່ນ​ແຂງ​ກະ​ແຂງ​ຂອງ​ສິ້ນ​ທີ່​ຈະ​ມີ​ຜົນ​ກະ​ທົບ​ຂະ​ຫນາດ​ໃຫຍ່​ກ່ຽວ​ກັບ​ສິ​ລະ​ປະ​ໃນ​ສັດ​ຕະ​ວັດ​ທີ 20​. ນອກຈາກນີ້ໃນການເກັບກໍາຂອງ MoMA, ມັນພັນລະນາກ່ຽວກັບກີຕາ, ຫົວຂໍ້ທີ່ Picasso ມັກຈະຄົ້ນຫາໃນການແຕ້ມຮູບແລະ collage, ແລະໃນຫຼາຍດ້ານ,ກີຕ້າການໂອນເຕັກນິກການຕັດແລະວາງຂອງ collage ຈາກສອງມິຕິໄປຫາສາມ. ມັນໄດ້ເຮັດເຊັ່ນດຽວກັນສໍາລັບ Cubism, ເຊັ່ນດຽວກັນ, ໂດຍການປະກອບຮູບຮ່າງຮາບພຽງເພື່ອສ້າງຮູບແບບທີ່ຫຼາກຫຼາຍທີ່ມີທັງຄວາມເລິກແລະປະລິມານ. ນະວັດຕະກໍາຂອງ Picasso ແມ່ນເພື່ອຫລີກເວັ້ນການແກະສະຫຼັກແບບດັ້ງເດີມ ແລະການສ້າງແບບຈໍາລອງຂອງຮູບປັ້ນອອກຈາກກ້ອນແຂງ. ແທນທີ່ຈະ,ກີຕ້າຖືກມັດເຂົ້າກັນຄືກັບໂຄງສ້າງ. ຄວາມ​ຄິດ​ນີ້​ຈະ​ຫັນ​ປ່ຽນ​ຈາກ​ລັດ​ຖະ​ສະ​ກອນ​ລັດ​ເຊຍ​ລົງ​ໄປ​ຫາ​ນິ​ຍົມ Minimalism ແລະ​ນອກ​ຈາກ​ນັ້ນ​. ສອງປີຫຼັງຈາກເຮັດໃຫ້ກີຕ້າໃນ cardboard, Picasso ສ້າງສະບັບນີ້ໃນ snipped tin

ຮູບພາບ: ຫໍພິພິທະພັນສິລະປະ Metropolitan

ຕັ້ງແຕ່ການເລີ່ມຕົ້ນທີ່ຮຸນແຮງຈົນເຖິງການເກີດ fascist ສຸດທ້າຍ, Italian Futurism ໄດ້ເຮັດໃຫ້ໂລກຕົກໃຈ, ແຕ່ບໍ່ມີວຽກງານໃດທີ່ເປັນຕົວຢ່າງຂອງການເຄື່ອນໄຫວທີ່ຫຼົງໄຫຼກວ່າຮູບປັ້ນນີ້ໂດຍຫນຶ່ງໃນແສງສະຫວ່າງນໍາຂອງມັນ: Umberto Boccioni. ເລີ່ມຕົ້ນຈາກການເປັນນັກແຕ້ມຮູບ, Boccioni ໄດ້ຫັນໄປເຮັດວຽກໃນສາມມິຕິຫຼັງຈາກການເດີນທາງ 1913 ໄປປາຣີ, ເຊິ່ງລາວໄດ້ໄປຢ້ຽມຢາມສະຕູດິໂອຂອງຊ່າງແກະສະຫຼັກ avant-garde ຫຼາຍໆຄົນໃນສະໄຫມນັ້ນ, ເຊັ່ນ Constantin Brancusi, Raymond Duchamp-Villon ແລະ Alexander Archipenko. Boccioni ໄດ້ສັງເຄາະແນວຄວາມຄິດຂອງເຂົາເຈົ້າເຂົ້າໄປໃນເຄື່ອງປັ້ນດິນເຜົາແບບເຄື່ອນໄຫວນີ້, ເຊິ່ງສະແດງໃຫ້ເຫັນເຖິງຕົວເລກທີ່ໂດດເດັ່ນທີ່ຕັ້ງຢູ່ໃນ "ການສືບຕໍ່ສັງເຄາະ" ຂອງການເຄື່ອນໄຫວດັ່ງທີ່ Boccioni ອະທິບາຍມັນ. ສິ້ນດັ່ງກ່າວໄດ້ຖືກສ້າງຂື້ນໃນເບື້ອງຕົ້ນໃນ plaster ແລະບໍ່ໄດ້ຖືກໂຍນລົງໃນລຸ້ນທອງເຫລືອງທີ່ຄຸ້ນເຄີຍຈົນກ່ວາ 1931, ຫຼັງຈາກນັກສິລະປິນເສຍຊີວິດໃນປີ 1916 ເປັນສະມາຊິກຂອງກອງທັບປືນໃຫຍ່ຂອງອິຕາລີໃນລະຫວ່າງສົງຄາມໂລກຄັ້ງທີ 1.

ຮູບພາບ: ມາລະຍາດ CC/Flickr/Steve Guttman NYC

ເກີດຢູ່ໃນໂລມາເນຍ, Brancusi ແມ່ນຫນຶ່ງຂອງຊ່າງແກະສະຫຼັກທີ່ສໍາຄັນທີ່ສຸດຂອງຍຸກສະໄຫມຕົ້ນສະຕະວັດທີ 20 - ແລະແທ້ຈິງແລ້ວ, ຫນຶ່ງໃນຕົວເລກທີ່ສໍາຄັນທີ່ສຸດໃນປະຫວັດສາດທັງຫມົດຂອງການປະຕິມາກໍາ. ປະເພດຂອງ proto-minimalist, Brancusi ໄດ້ຮູບແບບຈາກທໍາມະຊາດແລະປັບປຸງໃຫ້ເຂົາເຈົ້າເປັນຕົວແທນທີ່ບໍ່ມີຕົວຕົນ. ແບບຂອງລາວໄດ້ຮັບອິດທິພົນຈາກສິລະປະພື້ນເມືອງຂອງບ້ານເກີດເມືອງນອນຂອງລາວ, ເຊິ່ງມັກຈະສະແດງຮູບແບບເລຂາຄະນິດທີ່ມີຊີວິດຊີວາແລະລວດລາຍທີ່ມີສີສັນ. ພຣະອົງຍັງໄດ້ບໍ່ໄດ້ແຍກຄວາມແຕກຕ່າງລະຫວ່າງວັດຖຸແລະພື້ນຖານ, ປະຕິບັດຕໍ່ພວກມັນ, ໃນບາງກໍລະນີ, ເປັນອົງປະກອບທີ່ປ່ຽນກັນໄດ້ - ວິທີການທີ່ສະແດງເຖິງການພັກຜ່ອນທີ່ສໍາຄັນກັບປະເພນີປະຕິມາກໍາ. ຮູບສັນຍາລັກນີ້ແມ່ນຮູບຂອງຕົວແບບແລະຄົນຮັກຂອງລາວ, Margit Pogány, ນັກສິລະປະພາສາຮັງກາຣີທີ່ລາວໄດ້ພົບໃນປາຣີໃນປີ 1910. ການປະດິດຄັ້ງທໍາອິດແມ່ນແກະສະຫຼັກດ້ວຍຫີນອ່ອນ, ຕິດຕາມດ້ວຍແຜ່ນ plaster ທີ່ເຮັດດ້ວຍທອງແດງ. plaster ຕົວມັນເອງໄດ້ຖືກວາງສະແດງໃນນິວຢອກໃນງານວາງສະແດງ Armory ທີ່ມີຊື່ສຽງຂອງ 1913, ບ່ອນທີ່ນັກວິຈານເຍາະເຍີ້ຍແລະ illoried ມັນ. ແຕ່ມັນຍັງເປັນຊິ້ນສ່ວນທີ່ຜະລິດຄືນຫຼາຍທີ່ສຸດໃນການສະແດງ. Brancusi ໄດ້ເຮັດວຽກຢູ່ໃນສະບັບຕ່າງໆຂອງMlle Poganyເປັນເວລາປະມານ 20 ປີ.

ພາບ: ມາລະຍາດ ຫໍພິພິທະພັນສິລະປະສະໄໝໃໝ່

ລໍ້ລົດຖີບຖືວ່າເປັນສິ່ງທຳອິດຂອງເຄື່ອງປະກອບການປະຕິວັດຂອງ Duchamp. ຢ່າງໃດກໍຕາມ, ເມື່ອລາວສໍາເລັດຮູບໃນສະຕູດິໂອປາຣີຂອງລາວ, ລາວກໍ່ບໍ່ຮູ້ວ່າຈະເອີ້ນມັນວ່າແນວໃດ. "ຂ້ອຍມີຄວາມຄິດທີ່ມີຄວາມສຸກທີ່ຈະຕິດລໍ້ລົດຖີບໃສ່ກັບອາຈົມໃນເຮືອນຄົວແລະເບິ່ງມັນຫັນ," Duchamp ເວົ້າຕໍ່ມາ. ມັນໄດ້ເດີນທາງໄປນິວຢອກໃນປີ 1915, ແລະການສໍາຜັດກັບຜົນຜະລິດທີ່ກວ້າງຂວາງຂອງສິນຄ້າທີ່ສ້າງຂຶ້ນໂດຍໂຮງງານ, ສໍາລັບ Duchamp ມາຮອດຄໍາສັບທີ່ກຽມພ້ອມ. ສິ່ງສຳຄັນກວ່ານັ້ນ, ລາວເລີ່ມເຫັນວ່າການເຮັດສິລະປະແບບດັ້ງເດີມ, ຫັດຖະກຳ ເບິ່ງຄືວ່າບໍ່ມີຈຸດໝາຍໃນຍຸກອຸດສາຫະກຳ. ເປັນ​ຫຍັງ​ຈຶ່ງ​ເບື່ອ, ລາວ​ເວົ້າ​ວ່າ, ເມື່ອ​ສິນຄ້າ​ທີ່​ຜະລິດ​ອອກ​ຢ່າງ​ກວ້າງ​ຂວາງ​ສາມາດ​ເຮັດ​ວຽກ​ໄດ້. ສໍາລັບ Duchamp, ແນວຄວາມຄິດທີ່ຢູ່ເບື້ອງຫລັງຂອງວຽກງານສິລະປະແມ່ນມີຄວາມສໍາຄັນຫຼາຍກ່ວາວິທີການເຮັດ. ແນວ​ຄິດ​ນີ້—ບາງ​ທີ​ຕົວ​ຢ່າງ​ແທ້​ຈິງ​ອັນ​ທຳ​ອິດ​ຂອງ​ສິ​ລະ​ປະ​ແນວ​ຄິດ—ຈະ​ຫັນ​ປ່ຽນ​ປະ​ຫວັດ​ສາດ​ສິ​ລະ​ປະ​ໄປ​ຂ້າງ​ໜ້າ​ຢ່າງ​ສິ້ນ​ເຊີງ. ແນວໃດກໍ່ຕາມ, ຄືກັນກັບວັດຖຸຂອງຄົວເຮືອນທົ່ວໄປ, ຕົ້ນສະບັບລໍ້ລົດຖີບບໍ່ລອດ: ສະບັບນີ້ແມ່ນຕົວຈິງແລ້ວ replica ຕັ້ງແຕ່ປີ 1951.

ຮູບພາບ: Whitney Museum of American Art, © 2019 Calder Foundation, New York/Artists Rights Society (ARS), ນິວຢອກ

ເຄື່ອງປະດັບທີ່ຮັກແພງຂອງການເກັບກໍາຖາວອນຂອງຫໍພິພິທະພັນ Whitney,Circus ຂອງ Calderກັ່ນ​ເນື້ອ​ແທ້​ຂອງ​ການ​ຫຼິ້ນ​ທີ່ Alexander Calder (1898-1976​) ໄດ້​ນໍາ​ເອົາ​ມາ​ເປັນ​ຈິດ​ຕະ​ນາ​ການ​ຜູ້​ທີ່​ໄດ້​ຊ່ວຍ​ໃຫ້​ຮູບ​ຮ່າງ​ການ​ປະ​ຕິ​ມາ​ກໍາ​ຄັ້ງ​ທີ 20​.Circus, ເຊິ່ງໄດ້ຖືກສ້າງຂື້ນໃນຊ່ວງເວລາຂອງຈິດຕະນາການໃນປາຣີ, ແມ່ນບໍ່ມີຕົວຕົນຫນ້ອຍກ່ວາ "ມືຖື" ທີ່ຫ້ອຍຂອງລາວ, ແຕ່ໃນແບບຂອງມັນເອງ, ມັນກໍ່ຄືກັນກັບ kinetic: ຕົ້ນຕໍແມ່ນເຮັດດ້ວຍສາຍແລະໄມ້,Circusເປັນຈຸດໃຈກາງຂອງການສະແດງ improvisational, ໃນທີ່ Calder ໄດ້ເຄື່ອນຍ້າຍປະມານຮູບຕ່າງໆ depicting contortionists, sword swallowers, tamers ຊ້າງ, ແລະອື່ນໆ, ຄື ringmaster godlike.

ຮູບພາບ: ມາລະຍາດພິພິທະພັນ J. Paul Getty

ໃນຖານະທີ່ເປັນຊ່າງແຕ້ມຮູບ ແລະນັກອອກແບບແຜ່ນແພ ພ້ອມທັງຊ່າງແກະສະຫຼັກ, ນັກສິລະປິນຊາວຝຣັ່ງ Aristide Maillol (1861-1944) ສາມາດຖືກພັນລະນາໄດ້ດີທີ່ສຸດວ່າເປັນນັກອອກແບບ Neo-Classic ສະໄໝໃໝ່ ທີ່ເອົາຮູບປັ້ນໃນສັດຕະວັດທີ 20 ໃນສັດຕະວັດທີ 20 ເປັນຮູບຊົງແບບດັ້ງເດີມຂອງ Greco-Roman. ລາວຍັງສາມາດຖືກພັນລະນາວ່າເປັນຜູ້ອະນຸລັກນິຍົມທີ່ຮຸນແຮງ, ເຖິງແມ່ນວ່າມັນຄວນຈະຖືກຈື່ໄວ້ວ່າແມ່ນແຕ່ໃນຍຸກ avant-garde ເຊັ່ນ Picasso ຜະລິດຜົນງານໃນການປັບຕົວແບບ Neo-Classical ຫຼັງຈາກສົງຄາມໂລກຄັ້ງທີ 1. ຫົວຂໍ້ຂອງ Maillol ແມ່ນການເປືອຍກາຍຂອງແມ່ຍິງ, ແລະໃນL'Air, ລາວໄດ້ສ້າງຄວາມແຕກຕ່າງລະຫວ່າງມວນວັດຖຸຂອງວິຊາຂອງລາວ, ແລະວິທີທີ່ນາງເບິ່ງຄືວ່າຈະລອຍຢູ່ໃນອາວະກາດ - ການດຸ່ນດ່ຽງ, ຍ້ອນວ່າມັນເປັນ, obdurate ທາງດ້ານຮ່າງກາຍທີ່ມີ evanescent.

ຮູບພາບ: ມາລະຍາດ CC/Flickr/C-Monster

ນັກສິລະປິນຊາວຍີ່ປຸ່ນທີ່ເຮັດວຽກຢູ່ໃນຫຼາຍສື່, Kusama ມານິວຢອກໃນປີ 1957 ກັບຄືນໄປຍີ່ປຸ່ນໃນປີ 1972. ໃນໄລຍະຊົ່ວຄາວ, ນາງໄດ້ສ້າງຕັ້ງຕົນເອງເປັນຕົວລະຄອນທີ່ສໍາຄັນຂອງ scene ໃນຕົວເມືອງ, ສິລະປະທີ່ສໍາຜັດກັບພື້ນຖານຈໍານວນຫຼາຍ, ລວມທັງ Pop Art, Minimalism. ແລະສິລະປະການສະແດງ. ໃນຖານະເປັນນັກສິລະປິນຍິງທີ່ມັກຈະກ່າວເຖິງເພດຍິງ, ນາງຍັງເປັນຄາຣະວາຂອງສິລະປະ Feminist. ວຽກງານຂອງ Kusama ມັກຈະຖືກສະແດງໂດຍຮູບແບບ hallucinogenic ແລະການຊໍ້າຊ້ອນຂອງຮູບແບບ, ການຂະຫຍາຍຕົວທີ່ຮາກຖານຢູ່ໃນສະພາບທາງຈິດໃຈບາງຢ່າງ - ອາການຫມອງຫມອງ, OCD - ນາງໄດ້ຮັບຄວາມເສຍຫາຍຕັ້ງແຕ່ເດັກນ້ອຍ. ທຸກໆດ້ານຂອງສິລະປະແລະຊີວິດຂອງ Kusuma ແມ່ນສະທ້ອນໃຫ້ເຫັນໃນວຽກງານນີ້, ໃນທີ່ເກົ້າອີ້ທີ່ເຮັດດ້ວຍຜ້າທີ່ລຽບງ່າຍແມ່ນໄດ້ຮັບການດູດຊືມຢ່າງບໍ່ຢຸດຢັ້ງໂດຍການລະບາດຂອງໂຣກຜີວ ໜັງ ທີ່ເຮັດດ້ວຍຜ້າ sewn.

ຮູບພາບ: ຫໍພິພິທະພັນສິລະປະອາເມລິກາ Whitney, ນິວຢອກ, © 2019 Estate of Marisol/ Albright-Knox Art Gallery/Artists Rights Society (ARS), ນິວຢອກ

ຮູ້ຈັກໂດຍຊື່ທໍາອິດຂອງນາງ, Marisol Escobar (1930-2016) ເກີດຢູ່ໃນປາຣີເພື່ອພໍ່ແມ່ Venezuelan. ໃນຖານະເປັນຈິດຕະນາການ, ນາງໄດ້ກາຍເປັນທີ່ກ່ຽວຂ້ອງກັບ Pop Art ແລະຕໍ່ມາ Op Art, ເຖິງແມ່ນວ່າໃນສະໄຕລ໌, ນາງບໍ່ໄດ້ຢູ່ໃນກຸ່ມ. ແທນທີ່ຈະ, ນາງໄດ້ສ້າງຕາຕະລາງຕົວເລກທີ່ຫມາຍເຖິງການ satires feminist ຂອງບົດບາດຍິງຊາຍ, ສະເຫຼີມສະຫຼອງແລະຄວາມຮັ່ງມີ. ໃນແມ່ຍິງແລະຫມານາງຖືເອົາຈຸດປະສົງຂອງແມ່ຍິງ, ແລະວິທີການທີ່ຜູ້ຊາຍບັງຄັບໃຊ້ມາດຕະຖານຂອງເພດຍິງຖືກໃຊ້ເພື່ອບັງຄັບໃຫ້ພວກເຂົາປະຕິບັດຕາມ.

ຮູບພາບ: ມາລະຍາດ CC/Flickr/Rocor

The Brillo Box ບາງທີອາດເປັນທີ່ຮູ້ຈັກດີທີ່ສຸດໃນຊຸດຂອງວຽກງານປະຕິມາກໍາທີ່ Warhol ສ້າງຂຶ້ນໃນກາງຊຸມປີ 60, ເຊິ່ງໄດ້ປະຕິບັດການສືບສວນກ່ຽວກັບວັດທະນະທໍາປ໊ອບລາວເຂົ້າໄປໃນສາມມິຕິ. ແທ້ຈິງແລ້ວກັບຊື່ Warhol ໄດ້ໃຫ້ສະຕູດິໂອຂອງລາວ - ໂຮງງານ - ນັກສິລະປິນໄດ້ຈ້າງຊ່າງໄມ້ເພື່ອເຮັດວຽກປະເພດເຄື່ອງປະກອບ, ຕົບແຕ່ງກ່ອງໄມ້ເປັນຮູບກ່ອງສໍາລັບຜະລິດຕະພັນຕ່າງໆ, ລວມທັງ Heinz Ketchup, Kellogg's Corn Flakes ແລະ Campbell's Soup, ເປັນ. ແຜ່ນສະບູ Brillo. ຫຼັງຈາກນັ້ນລາວໄດ້ທາສີແຕ່ລະກ່ອງໃສ່ສີທີ່ກົງກັບຕົ້ນສະບັບ (ສີຂາວໃນກໍລະນີຂອງ Brillo) ກ່ອນທີ່ຈະເພີ່ມຊື່ຜະລິດຕະພັນແລະໂລໂກ້ໃນ silkscreen. ຖືກສ້າງຂື້ນເປັນຫຼາຍອັນ, ກ່ອງຕ່າງໆມັກຈະຖືກສະແດງເປັນກ້ອນໃຫຍ່, ປ່ຽນຫ້ອງສະແດງອັນໃດກໍໄດ້ທີ່ພວກມັນຢູ່ໃນຫ້ອງດັ່ງກ່າວເປັນສາງທີ່ມີວັດທະນະທໍາສູງ. ຮູບຮ່າງ ແລະການຜະລິດແບບຊີຣຽວຂອງພວກມັນແມ່ນບາງທີອາດເປັນການຍັບຍັ້ງ-ຫຼືການລໍ້ລວງຂອງ-ແບບ Minimalist ໃນຕອນນັ້ນ. ແຕ່ຈຸດທີ່ແທ້ຈິງຂອງBrillo Boxແມ່ນວິທີການທີ່ໃກ້ຄຽງກັບສິ່ງທີ່ເປັນຈິງໄດ້ທໍາລາຍສົນທິສັນຍາສິລະປະ, ໂດຍຫມາຍຄວາມວ່າບໍ່ມີຄວາມແຕກຕ່າງທີ່ແທ້ຈິງລະຫວ່າງສິນຄ້າທີ່ຜະລິດແລະການເຮັດວຽກຈາກສະຕູດິໂອຂອງຈິດຕະນາການ.

ຮູບພາບ: ມາລະຍາດ CC/Flickr/Esther Westerveld

ຊື່ຂອງ Donald Judd ແມ່ນຄໍາສັບຄ້າຍຄືກັບ Minimal Art, ການເຄື່ອນໄຫວໃນກາງຊຸມປີ 60 ທີ່ກັ່ນຄວາມເຄັ່ງຕຶງທາງດ້ານເຫດຜົນຂອງລັດທິນິຍົມສະໄໝໃໝ່ໃຫ້ກາຍເປັນສິ່ງສຳຄັນ. ສໍາລັບ Judd, ການປະຕິມາກໍາຫມາຍເຖິງການສະແດງໃຫ້ເຫັນເຖິງຄວາມຊັດເຈນຂອງວຽກງານຢູ່ໃນອາວະກາດ. ແນວຄວາມຄິດນີ້ໄດ້ຖືກອະທິບາຍໂດຍຄໍາສັບ, "ຈຸດປະສົງສະເພາະ," ແລະໃນຂະນະທີ່ນັກ Minimalists ອື່ນໆຍອມຮັບມັນ, Judd ໄດ້ໃຫ້ເຫດຜົນວ່າຄວາມຄິດທີ່ບໍລິສຸດທີ່ສຸດໂດຍການເອົາກ່ອງເປັນຮູບແບບລາຍເຊັນຂອງລາວ. ເຊັ່ນດຽວກັນກັບ Warhol, ລາວໄດ້ຜະລິດພວກມັນເປັນຫົວຫນ່ວຍທີ່ຊ້ໍາກັນ, ການນໍາໃຊ້ວັດສະດຸແລະວິທີການທີ່ຢືມມາຈາກການຜະລິດອຸດສາຫະກໍາ. ບໍ່ເຫມືອນກັບກະປ໋ອງແກງຂອງ Warhol ແລະ Marilyns, ສິລະປະຂອງ Judd ຫມາຍເຖິງບໍ່ມີຫຍັງນອກຕົວຂອງມັນເອງ. “ stacks” ຂອງລາວ, ແມ່ນໃນບັນດາຊິ້ນສ່ວນທີ່ຮູ້ຈັກດີທີ່ສຸດຂອງລາວ. ແຕ່ລະອັນປະກອບດ້ວຍກຸ່ມຂອງກ່ອງຕື້ນໆທີ່ເຮັດດ້ວຍໂລຫະແຜ່ນ galvanized, ຈູດຈາກຝາເພື່ອສ້າງຖັນຂອງອົງປະກອບທີ່ມີຊ່ອງຫວ່າງເທົ່າທຽມກັນ. ແຕ່ Judd, ຜູ້ທີ່ເລີ່ມຕົ້ນຈາກການເປັນນັກແຕ້ມ, ມີຄວາມສົນໃຈໃນສີແລະໂຄງສ້າງທີ່ລາວຢູ່ໃນຮູບແບບ, ດັ່ງທີ່ເຫັນຢູ່ນີ້ໂດຍເຄື່ອງເຄືອບເງົາອັດຕະໂນມັດທີ່ມີສີຂຽວໃສ່ກັບໃບຫນ້າຂອງແຕ່ລະກ່ອງ. Judd interplay ຂອງສີແລະວັດສະດຸໃຫ້ບໍ່ມີຊື່ (Stack)elegance fastidious ທີ່ softens absolutism ຂອງຕົນ.

ຮູບພາບ: ມາລະຍາດ CC/Flickr/Rocor

ເຊັ່ນດຽວກັນກັບ Benglis, Hesse ແມ່ນນັກສິລະປິນແມ່ຍິງຜູ້ທີ່ໄດ້ກັ່ນຕອງ Postminimalism ຜ່ານ prism feminist ທີ່ມີການໂຕ້ຖຽງ. ຊາວຢິວທີ່ຫນີຈາກນາຊີເຢຍລະມັນເປັນເດັກນ້ອຍ, ນາງໄດ້ຄົ້ນຫາຮູບແບບອິນຊີ, ສ້າງຊິ້ນສ່ວນໃນເສັ້ນໄຍແກ້ວອຸດສາຫະກໍາ, ຢາງແລະເຊືອກທີ່ເຮັດໃຫ້ເກີດຜິວຫນັງຫຼືເນື້ອຫນັງ, ອະໄວຍະວະເພດແລະພາກສ່ວນອື່ນໆຂອງຮ່າງກາຍ. ຍ້ອນຄວາມເປັນມາຂອງນາງ, ມັນເປັນການລໍ້ລວງທີ່ຈະຊອກຫາ undercurrent ຂອງການບາດເຈັບຫຼືຄວາມກັງວົນໃນການເຮັດວຽກເຊັ່ນນີ້.

ພາບ: ມາລະຍາດ ຫໍພິພິທະພັນສິລະປະສະໄໝໃໝ່

ປະຕິບັດຕາມ Judd ແລະ Flavin, ກຸ່ມນັກສິລະປິນໄດ້ອອກຈາກຄວາມງາມຂອງສາຍທີ່ສະອາດຂອງ Minimalism. ເປັນສ່ວນຫນຶ່ງຂອງການຜະລິດ Postminimalist ນີ້, Richard Serra ວາງແນວຄວາມຄິດຂອງວັດຖຸສະເພາະກ່ຽວກັບ steroids, ຂະຫຍາຍຂະຫນາດແລະນ້ໍາຫນັກຂອງມັນຢ່າງຫຼວງຫຼາຍ, ແລະເຮັດໃຫ້ກົດຫມາຍຂອງແຮງໂນ້ມຖ່ວງຂອງຄວາມຄິດ. ລາວສ້າງການດຸ່ນດ່ຽງທີ່ບໍ່ແນ່ນອນຂອງເຫຼັກຫຼືແຜ່ນນໍາແລະທໍ່ທີ່ມີນໍ້າຫນັກເປັນໂຕນ, ເຊິ່ງມີຜົນກະທົບຂອງການເຮັດໃຫ້ການຂົ່ມຂູ່ຕໍ່ວຽກງານ. (ໃນສອງຄັ້ງ, ເຄື່ອງເຈາະທີ່ຕິດຕັ້ງຊິ້ນສ່ວນ Serra ໄດ້ຖືກຂ້າຕາຍຫຼືຖືກທໍາລາຍໃນເວລາທີ່ວຽກງານລົ້ມລົງໂດຍບັງເອີນ.) ໃນຊຸມປີມໍ່ໆມານີ້, ວຽກງານຂອງ Serra ໄດ້ຮັບຮອງເອົາການປັບປຸງ curvilinear ທີ່ເຮັດໃຫ້ມັນໄດ້ຮັບຄວາມນິຍົມຢ່າງຫຼວງຫຼາຍ, ແຕ່ໃນຕອນຕົ້ນ, ເຮັດວຽກຄືກັບ One Ton Prop (ເຮືອນ. ຂອງບັດ), ເຊິ່ງມີລັກສະນະສີ່ແຜ່ນນໍາທີ່ leaned ເຂົ້າກັນ, ສື່ສານຄວາມກັງວົນຂອງລາວດ້ວຍຄວາມໂຫດຮ້າຍໂດຍກົງ.

ຮູບພາບ: ມາລະຍາດ CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

ປະຕິບັດຕາມທ່າອ່ຽງຕ້ານວັດທະນະທໍາທົ່ວໄປໃນຊຸມປີ 1960 ແລະ 1970, ນັກສິລະປິນໄດ້ເລີ່ມຕົ້ນການກະບົດຕໍ່ຕ້ານລັດທິການຄ້າຂອງໂລກ, ພັດທະນາຮູບແບບສິລະປະໃຫມ່ໆເຊັ່ນເຄື່ອງປັ້ນດິນເຜົາ. ເປັນທີ່ຮູ້ຈັກກັນດີໃນນາມສິລະປະພື້ນດິນ, ປະເພດສິລະປະຊັ້ນນໍາແມ່ນ Robert Smithson (1938-1973), ຜູ້ທີ່, ພ້ອມກັບນັກສິລະປິນເຊັ່ນ Michael Heizer, Walter De Maria ແລະ James Turrel, ໄດ້ເຂົ້າໄປໃນທະເລຊາຍຂອງສະຫະລັດຕາເວັນຕົກເພື່ອສ້າງຜົນງານທີ່ໃຫຍ່ຫຼວງ. ປະຕິບັດໃນຄອນເສີດກັບສິ່ງອ້ອມຂ້າງຂອງເຂົາເຈົ້າ. ວິທີການສະເພາະຂອງສະຖານທີ່ນີ້, ຍ້ອນວ່າມັນຖືກເອີ້ນ, ມັກຈະໃຊ້ວັດສະດຸທີ່ເອົາໂດຍກົງຈາກພູມສັນຖານ. ນີ້ແມ່ນກໍລະນີຂອງ SmithsonSpiral Jetty, ເຊິ່ງ juts ເຂົ້າ ໄປ ໃນ Great Salt Lake ຂອງ ລັດ ຢູ ທາ ຈາກ Rozel Point ສຸດ shore ພາກ ຕາ ເວັນ ອອກ ສ່ຽງ ເຫນືອ ຂອງ lake ໄດ້. ເຮັດດ້ວຍຕົມ, ໄປເຊຍກັນເກືອແລະ basalt ສະກັດຢູ່ໃນບ່ອນ,ມາດຕະການ Spiral Jetty1,500 គុណ 15 ຟຸດ. ມັນໄດ້ຈົມຢູ່ໃຕ້ທະເລສາບເປັນເວລາຫຼາຍສິບປີ ຈົນກ່ວາຄວາມແຫ້ງແລ້ງໃນຕົ້ນຊຸມປີ 2000 ໄດ້ນໍາມັນມາສູ່ພື້ນຜິວອີກຄັ້ງ. ໃນປີ 2017,Spiral Jettyໄດ້​ຖືກ​ຕັ້ງ​ຊື່​ເປັນ​ທາງ​ການ artwork ຂອງ​ລັດ​ຢູ​ທາ.

ຮູບພາບ: ມາລະຍາດ CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier

ຜົນງານລາຍເຊັນຂອງນັກສິລະປິນຊາວຝຣັ່ງ,ແມງມຸມໄດ້ຖືກສ້າງຕັ້ງຂື້ນໃນກາງຊຸມປີ 1990 ໃນເວລາທີ່ Bourgeois (1911-2010) ແມ່ນແລ້ວໃນ eighty ຂອງນາງ. ມັນ​ມີ​ຢູ່​ໃນ​ສະ​ບັບ​ຈໍາ​ນວນ​ຫຼາຍ​ຂອງ​ຂະ​ຫນາດ​ທີ່​ແຕກ​ຕ່າງ​ກັນ​, ລວມ​ທັງ​ບາງ​ຢ່າງ​ທີ່​ມີ​ຫຼາຍ​.ແມງມຸມແມ່ນຫມາຍເຖິງການ tribute ກັບແມ່ຂອງຈິດຕະນາການ, ການຟື້ນຟູ tapestry (ເພາະສະນັ້ນການກ່າວເຖິງແນວໂນ້ມຂອງ arachnid ສໍາລັບ spinning webs).

Shutterstock

ຜູ້ຊະນະຂອງລາງວັນ Turner ທີ່ມີຊື່ສຽງໃນປີ 1994, Antony Gormley ແມ່ນນັກແກະສະຫຼັກຍຸກສະໄໝທີ່ມີຊື່ສຽງທີ່ສຸດໃນປະເທດອັງກິດ, ແຕ່ລາວຍັງເປັນທີ່ຮູ້ຈັກທົ່ວໂລກໃນການສະແດງສິລະປະທີ່ເປັນເອກະລັກຂອງລາວ, ຫນຶ່ງໃນຄວາມແຕກຕ່າງກັນຂອງຂະຫນາດແລະຮູບແບບແມ່ນອີງໃສ່, ສໍາລັບສ່ວນໃຫຍ່, ໃນແມ່ແບບດຽວກັນ: ການຫລໍ່ຂອງຮ່າງກາຍຂອງຈິດຕະນາການຂອງຕົນເອງ. ນັ້ນແມ່ນຄວາມຈິງຂອງອານຸສາວະລີທີ່ມີປີກຂະໜາດໃຫຍ່ທີ່ຕັ້ງຢູ່ໃກ້ກັບເມືອງ Gateshead ໃນພາກຕາເວັນອອກສຽງເໜືອຂອງອັງກິດ. ຕັ້ງຢູ່ແຄມທາງຫຼວງໃຫຍ່,ເທວະດາສູງເຖິງ 66 ຟຸດໃນຄວາມສູງແລະກວ້າງ 177 ຟຸດໃນຄວາມກວ້າງຈາກປາຍປີກຫາປາຍປີກ. ອີງຕາມການ Gormley, ວຽກງານດັ່ງກ່າວແມ່ນຫມາຍເຖິງການຈັດລຽງຂອງເຄື່ອງຫມາຍສັນຍາລັກລະຫວ່າງອະດີດອຸດສາຫະກໍາຂອງອັງກິດ (ຮູບປັ້ນແມ່ນຕັ້ງຢູ່ໃນປະເທດຖ່ານຫີນຂອງປະເທດອັງກິດ, ຫົວໃຈຂອງການປະຕິວັດອຸດສາຫະກໍາ) ແລະອະນາຄົດຫລັງອຸດສາຫະກໍາ.

ມາລະຍາດຈາກ CC/Flickr/Richard Howe

ເອີ້ນວ່າ "The Bean" ໂດຍ Chicagoans ສໍາລັບຮູບແບບ ellipsoidal ໂກງຂອງມັນ,Cloud Gate, ສູນສິລະປະສາທາລະນະຂອງ Anish Kapoor ສໍາລັບສວນສາທາລະສະຫັດສະຫວັດຂອງເມືອງທີສອງ, ເປັນທັງສິລະປະແລະສະຖາປັດຕະຍະກໍາ, ສະຫນອງເສັ້ນທາງ Instagram ທີ່ກຽມພ້ອມສໍາລັບນັກຍ່າງທາງໃນວັນອາທິດແລະຜູ້ມາຢ້ຽມຢາມສວນສາທາລະນະອື່ນໆ. ຜະລິດຈາກເຫຼັກແວ່ນ,Cloud Gateການສະທ້ອນຄວາມມ່ວນຂອງເຮືອນແລະຂະຫນາດໃຫຍ່ເຮັດໃຫ້ມັນເປັນຊິ້ນສ່ວນທີ່ມີຊື່ສຽງທີ່ສຸດຂອງ Kapoor.

ມາລະຍາດສິລະປິນແລະ Greene Naftali, ນິວຢອກ

ວຽກງານຂອງ Rachel Harrison ປະສົມປະສານການເປັນທາງການທີ່ສົມບູນກັບຄວາມສາມາດສໍາລັບການສ້າງອົງປະກອບທີ່ບໍ່ມີຕົວຕົນທີ່ເບິ່ງຄືວ່າມີຫຼາຍຄວາມຫມາຍ, ລວມທັງທາງດ້ານການເມືອງ. ນາງໄດ້ຕັ້ງຄຳຖາມຢ່າງໜັກເຖິງຄວາມເຄົາລົບນັບຖື ແລະສິດທິພິເສດຂອງຜູ້ຊາຍທີ່ໄປນຳ. Harrison ສ້າງປະຕິມາກໍາສ່ວນໃຫຍ່ຂອງນາງໂດຍການວາງແລະຈັດລຽງທ່ອນໄມ້ຫຼືແຜ່ນຂອງ Styrofoam, ກ່ອນທີ່ຈະກວມເອົາພວກມັນໃນການປະສົມປະສານຂອງຊີມັງແລະສີທີ່ຈະເລີນຮຸ່ງເຮືອງ. cherry ຢູ່ເທິງແມ່ນປະເພດຂອງວັດຖຸທີ່ພົບເຫັນ, ບໍ່ວ່າຈະຢູ່ຄົນດຽວຫຼືປະສົມປະສານກັບຄົນອື່ນ. ຕົວຢ່າງທີ່ໂດດເດັ່ນແມ່ນ mannequin ນີ້ຢູ່ເທິງຮູບແບບຍາວ, ສີ splashed. ການໃສ່ຫມວກກັນກະທົບ, ແລະຫນ້າກາກ Abraham Lincoln ຫັນຫນ້າໄປທາງຫລັງ, ວຽກງານດັ່ງກ່າວສົ່ງທິດສະດີປະຫວັດສາດຂອງຜູ້ຊາຍທີ່ຍິ່ງໃຫຍ່ດ້ວຍການກະຕຸ້ນໃຫ້ຜູ້ພິຊິດໂລກບູຮານຢືນສູງຢູ່ເທິງຫີນສີຕົວລະຄອນ..